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Após uma turnê teatral na França, a autora e produtora carioca Natasha Corbelino se viu diante de um dilema: de um lado sentia um enorme cansaço físico e mental, mas, por outro lado, não tinha nenhum projeto em vista. Em meio a essa angústia, nasceu o espetáculo performativo 1 peça cansada, realizada dentro da sala de sua própria casa. O projeto chamou atenção, foram mais de mil pessoas em seu apartamento durante as sessões. Agora, o trabalho faz a primeira temporada em São Paulo, entre os dias 7 de novembro e 7 de dezembro de 2025, no Sesc Avenida Paulista.

“Quando voltei da turnê, me dei conta de que precisava insistir em imaginar futuros com a cidade onde eu morava. Pra isso, só inventando meu próprio trabalho independente naquele momento sem horizontes. Assim, criei o único projeto honesto que eu poderia criar como artista e produtora, um espetáculo que traduziu aquilo que eu estava sentindo na época: um cansaço extremo”, conta Corbelino, que há mais de 30 anos dedica-se às artes da cena.

O trabalho é um convite ao encontro, para cansarmos nossos cansaços. Utilizando-se de uma honestidade radical, Natasha reflete sobre as relações entre fracasso e criação; rigor e liberdade; e franqueza e coragem. Ao longo da montagem, ela lista os seus inúmeros cansaços, incluindo questões com a profissão, com os relacionamentos interpessoais e com as redes sociais, e toca em muitos pontos de identificação entre a artista e o público.

Tudo acontece de uma maneira muito natural, o público, inclusive, é convidado a se acomodar confortavelmente. Existem até colchões para quem estiver mais cansado. Para Natasha, a parte mais importante de 1 peça cansada é a intimidade e a cumplicidade desenvolvida com os espectadores. Por isso, existe um esforço de eliminar as hierarquias convencionais do espaço cênico.

Outra presença marcante na montagem é o papel. A performer aparece envolta neles e, em cima de uma mesa, estão outros tantos que também estão cansados, como fotos, trabalhos de escola e até a Constituição, “a brasileira mais cansada”, como costuma dizer a atriz.

Buscando reconstruir a história da cannabis no Brasil sem estereótipos, o ator Luis Navarro se juntou aos intérpretes Wesley Guimarães, Timm Arif e Danilo Moura e à diretora Renata Carvalho para montar o espetáculo Diamba.

Inspirado na história em quadrinhos documental “Diamba, Histórias do Proibicionismo no Brasil”, de Daniel Paiva, o trabalho fala de forma ética e responsável sobre esse tema. O foco dos artistas foi abordar diversos aspectos da diamba – sinônimo para maconha -, incluindo seus usos medicinais, recreativos e até ritualísticos.

“Durante a leitura, eu já conseguia construir várias cenas na minha cabeça. E, para mim, era importante fazer um espetáculo positivo, sem cenas de pessoas sendo presas e sem nenhum tipo de violência, mesmo que o livro mostrasse como a maconha também está ligada ao racismo estrutural”, conta Renata Carvalho.

A montagem tem início com a chegada da erva no território brasileiro com a população escravizada. “Descobrimos que essa é a planta do Exu, porque ela permite a comunicação entre os dois mundos. E esse talvez seja um dos motivos pelos quais ela é criminalizada”, comenta a diretora.

Outro assunto importante em Diamba é a existência de muitas notícias falsas sobre a cannabis. De acordo com Renata, foi um brasileiro o responsável por transformar a cannabis em algo tão nefasto quanto o ópio ou a cocaína – e isso está diretamente ligado à questão da religiosidade.

Para embalar essa história, a trilha sonora tem um papel fundamental. Danilo Moura fez a direção musical e Zeus assinou a produção musical. As canções são todas originais e algumas foram musicadas a partir dos escritos do quadrinho. “Nós passamos por sonoridades pretas, especialmente as ligadas às religiões de matriz africana, além de afrobeat, jazz, blues, samba, capoeira e conga. Em cena temos tambores, pandeiros e bateria elétrica”, afirma Navarro.

Diamba configura-se como um manifesto antirracista pela legalização da cannabis no Brasil e pelo respeito às liberdades individuais. A montagem reflete sobre os motivos que levaram à proibição de uma planta relevante na história da humanidade, com vários benefícios medicinais comprovados pela ciência.

Nesse processo de debater os preconceitos envolvendo a cannabis, o espetáculo firmou uma parceria com a VerdeVida Associação, uma entidade dedicada a auxiliar pessoas que estejam precisando do óleo medicinal. Quem assistir à peça terá a chance de tirar suas dúvidas com os pesquisadores da instituição.

Com texto de Régis de Oliveira, que estrou na dramaturgia com o sucesso “O Deus de Spinoza”, direção de Bruno Perillo e Luiz Amorim como protagonista, O Julgamento de Sócrates é um mergulho na essência humana e no drama que é um marco da filosofia ocidental.

“O espetáculo é muito mais que uma aula de história, é um espelho para nosso tempo: o que acontece quando o pensamento livre desafia o poder?” questiona Régis de Oliveira sobre a atualidade do tema.

Sócrates (470 a.C.-399 a.C.) é reconhecido como o pai da filosofia. É dele a frase “Só sei que nada sei” afirmando a sua própria ignorância diante do verdadeiro conhecimento. Sócrates foi acusado de corromper a juventude e profanar deuses o que levou a sua condenação à morte. É a partir deste fato que a peça se desenrola.

Acusado por 3 cidadãos atenienses de corromper os jovens e de profanar os deuses da cidade, Sócrates

Condenado à morte, a tragédia aprofunda-se na prisão e na real possibilidade de fuga. Mas Sócrates recusa e enfrenta seu destino com ironia sagaz e lógica implacável.

Para ele, trair as leis de Atenas seria trair a própria alma, e a coerência entre pensamento e ação não se negocia.

Em seu último dia ele conduz seu último diálogo: uma meditação sublime sobre a imortalidade da alma, a coragem perante o desconhecido e a beleza de uma vida vivida sem mentiras. Com serenidade que desafia a própria morte, ergue a taça de cicuta e bebe.

Escute as Feras ganha livre adaptação do livro homônimo da antropóloga francesa Nastassja Martin publicado na França em 2019 e no Brasil em 2021 pela Editora 34. O livro obteve grande repercussão mundial e recebeu o prêmio François Sommer de 2020 por sua contribuição à reflexão a respeito das relações entre homem e natureza.

O projeto, idealizado por Maria Manoella e Fernanda Diamant, estreou no Sesc Ipiranga, ficando em cartaz de 11 de novembro a 3 de dezembro de 2023 e em seguida fez curta temporada de 6 apresentações, de 29/2 a 3/3/2024, no Teatro Cacilda Becker. Agora, ganha temporada no Teatro Estúdio, de 19 de novembro a 11 de dezembro.

Nastassja Martin teve seu rosto desfigurado por um urso pardo em um encontro inesperado na região de Kamchatka, na Sibéria no ano de 2015. A autora então parte do relato desse acontecimento para pensar questões sociais, políticas e existenciais.

Fruto de uma criação coletiva, a peça é ao mesmo tempo um espetáculo solo de Maria Manoella, e uma experiência artístico-sonora conduzida ao vivo pelo músico Lúcio Maia. O processo de adaptação do texto se concentrou nos principais pontos de contato entre essa história e a realidade brasileira, entre essa mulher e todas as mulheres resultando em uma hibridação – ela passa a ser miêdka, meio a meio.

A versão final, descarnada, se descola do realismo da obra de não ficção e procura criar um microclima de sonho e estímulo dos sentidos. Para isso, conta também com a direção de arte de Daniela Thomas e a iluminação de Caetano Vilela, artistas hipnóticos. Fabio Namatame se soma a proposta estética com o figurino. Para expressar essa fisicalidade, foi essencial o trabalho de Vivien Buckup e também a colaboração dramatúrgica da escritora Ana Paula Pacheco.

“Se afirmo sou humano, digo sou diferente dos animais. Toda identidade perpassa por uma noção de diferença, em que ser como se é depende do não-ser outra coisa. A partir do momento em que Nástia sobrevive à troca de olhares com um urso; ao encontro dos corpos físicos de dois mamíferos tão diferentes quanto iguais, se corporifica um não-lugar no que restou de Nástia”, conclui Maria Manoella.